Fabio Morais | Catalogue Raisonné

2012-01-24T13:22:00.001-02:00

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símile-fac, 2012

2012-01-24T13:19:00.010-02:00

instalação com caderno, cubo de madeira, tinta de lousa e giz.

dimensão variável: nas imagens a seguir, a lousa mede 255 x 700 cm a 20 cm do chão; o cubo, 40 cm de lado e 80 cm de altura

Imagens da exposição símile-fac (2012), Galeria Vermelho, São Paulo.

Foto de Rafael Cañas

Neste trabalho, sete páginas de um caderno preenchido no final da década de 1960, que encontrei em um mercado de pulgas, foram “facsimilizadas” numa lousa onde copiei o texto com giz, como um falso fac-símile, ou um fac-símile ao contrário.

Quase todo o caderno está escrito em francês, com temas da história da arte e da literatura. No meio, há um longo texto sobre informática e computadores, o que é de se estranhar já que os escritos são visivelmente antigos. Num trecho, prevê-se que em 1975 haverá 110 mil computadores no mundo.

Foto de Rafael Cañas

Projeção, 2012

2012-01-20T16:15:00.006-02:00

instalação com 17 rolos e embalagens de filmes 8 mm, sem iluminação

45 x 20 cm aproximadamente

Paisinho, 2012

2012-01-16T13:31:00.004-02:00

ready made, água em lata esmaltada

11 x 7,5 ∅ cm

36, 2011

2012-01-16T09:16:00.009-02:00

impressão off-set sobre papel jornal

29,7 x 26 cm (fechado), 8 páginas (incluindo capa e contra-capa)

tiragem ilimitada

36 é um jornal composto pelo fac-símile da capa e contra-capa da revista Manchete que anunciou o golpe de Estado no Brasil, em 1964; pelo fac-símile da primeira reportagem que saiu na grande imprensa brasileira sobre o Tropicalismo, na revista O Cruzeiro em abril de 1968; e por um texto fictício diagramado à margem dessas referências históricas. Clique sobre as imagens abaixo e é possível ler o jornal.

Abaixo, imagens de 36 na minha exposição individual símile-fac, 2012, na Galeria Vermelho, São Paulo. Fotos de Rafael Cañas.

Didática de ensino para si mesmo (in progress), 2011

2012-01-16T08:49:00.013-02:00

jato de tinta sobre papel Canson Photographique 310g

65 x 100 cm

série de 08, in progress

edição de 3 + p.a.

A seguir, imagens da minha exposição individual símile-fac, 2012, na Galeria Vermelho, em São Paulo, onde expus toda a série. As imagens são de Rafael Cañas.

Conto, 2011

2011-12-19T17:30:00.007-02:00

apropriação e edição de reportagens

Fiz este trabalho para o Caderno Sesc Videobrasil número 07 A REVISTA, editado por Rodrigo Moura. Selecionei trechos de reportagens das revistas Manchete e O Cruzeiro sobre o golpe de Estado no Brasil em 1964, a Primavera de Praga, as manifestações públicas contra o AI-5 e o maio de 68 francês. Editei e distribuí os pequenos fac-símiles dos textos para que formassem um conto de dez páginas que envelhecem à medida que são viradas.

Ao clicar sobre as imagens abaixo, é possível ver o trabalho com mais detalhes e ler os textos.

O Louco, 2011

2011-11-08T12:51:00.002-02:00

impressão digital

21 x 29 cm

edição de 100

Clique na imagem para ampliá-la.

Fiz este trabalho para o projeto de exposição portátil Valparaíso, de Paulo Reis.

2011-11-06T17:53:00.003-02:00

Clique sobre as páginas, para aumentá-las.

Catálogo da 8ª Bienal do Mercosul, Ensaios de Geopoética

2011-11-06T17:49:00.004-02:00

Clique sobre as imagens para abrirem em um tamanho legível.

Editora 3 Dias, 2011

2011-10-24T17:36:00.010-02:00

editora efêmera

Acima, os 16 livros editados pela Editora 3 Dias.

Em setembro de 2011, fui convidado para uma residência artística de uma semana, no Atelier Livre da Prefeitura de Porto Alegre, como parte da comemoração dos 50 anos da instituição. Propus a Editora 3 Dias, uma editora efêmera que funcionou entre os dias 20 e 22 de outubro de 2011.

Acima, o logo; abaixo, o flyer de divulgação explicando o funcionamento da editora.

Clique sobre as imagens e elas abrirão em um tamanho maior.

A Editora 3 Dias funcionou numa das salas do Atelier Livre, com a vital colaboração de Maíra Dietrich, Mara Caruso e Silvia Giordani, a quem sou extremamente grato. Em três dias, foram editados os seguintes títulos (que podem ser vistos na primeira imagem deste post):

Sem título, de Clo Maso

De Sonhos e Memórias, de Selir Straliotto

Desenhos de Agenda, de Renato Garcia

E o seu coração?, de Ana Bettini

Estudos para Lithografia, de Raquel Lima

Fazendo Pintura, de Frantz;

Galeria Fashion Freak, de HermesBernardi Jr

Gente Grande Comendo como Criança, organização de Daisy Viola

História Natural Artificial, de Silvia Livi

Lugar-Inventado, de Helene Sacco

Lugar do Lobo, de Rejane Michel

Jogo Autobiográfico, Relações entre Corpo e Literatura, de Silvia Giordani

Meu Diário, de Ana Isabel Lovatto

Sem título, de Clo Maso

Pandorgas, Pássaros e Homens, de Cava

Redesenhando, de Silvio Schuh

Abaixo, imagens da linha de produção da Editora 3 Dias.

Antilla, 2011

2011-09-12T10:10:00.044-03:00

42 fotografias digitais laminadas, sobre painéis de madeira

500 cm ∅

(50 cm x 75 cm cada painel)

Edição única + PA

8a Bienal do Mercosul, Ensaios de Geopoéticas, 2011, Porto Alegre.

Foto: Cristiano Sant'Anna / indicefoto.com

Nas três imagens anteriores, Antilla na minha exposição individual símile-fac, 2012, Galeria Vermelho, São Paulo. A primeira imagem é de Rafael Cañas. Abaixo, a obra na 8a Bienal do Mercosul.

Fiz este trabalho para a 8ª Bienal do Mercosul, Ensaios de Geopoética. Você pode ler o texto do catálogo da mostra, clicando aqui.

Em 1978, o Instituto Cubano de Geodesia y Cartografia editou o Atlas de Cuba, em comemoração ao “XX Aniversario del Triunfo de la Revolución Cubana”. Esta edição tem um assumido teor político-ideológico ao enaltecer estatísticas que traduzem o sucesso da revolução, e é um exemplo claro de que a cartografia não é uma representação neutra. O atlas possui 97 mapas distribuídos em cinco partes: Recursos Naturais; Economia; População e Cultura; História; Geografia Geral. O projeto gráfico desta edição, com cores e desenhos extremamente sedutores ao olhar, parece ser uma forma de convencer, também esteticamente, a respeito do sucesso e otimismo do país sob o regime socialista.

Escolhi no Atlas de Cuba a cidade de Antilla, com pouco mais de 12 mil habitantes, localizada ao leste da ilha. Como todo mapa evidencia hierarquias (a Inglaterra no centro do Mapa Mundi é o clássico exemplo), escolhi uma região de Cuba pouco importante, nada turística, onde provavelmente nunca irei e que provavelmente pouca gente irá. Para mim, os mapas e os atlas têm essa característica: são um acúmulo de lugares para onde jamais irei.

Fotografei a região onde se localiza Antilla em 42 diferentes mapas. A soma das imagens traça um voo circular sobre a região, como um voo de reconhecimento. O ângulo e o uso do foco simulam o ponto de vista de alguém que fotografa da janela de um avião, tratando cada mapa como uma paisagem panorâmica. Imagens aéreas têm um distanciamento semelhante ao da cartografia em relação à paisagem: quem vê um mapa não estabelece uma experiência direta com a região representada, assim como quem sobrevoa um lugar.

Cada um dos 42 mapas representa um tema, que vai desde o tipo de solo ou indústria química, até fatos históricos da colonização e da revolução. Porém, nas fotografias não são reproduzidas as legendas que explicam as cores, os desenhos, os grafismos e os símbolos cartográficos. É indicado apenas o título do mapa, revelando seu tema. Sem os códigos que o traduzem, o mapa passa a ser uma massa de formas, cores e visualidade, como uma paisagem real. A leitura de todos os títulos, pelo observador, dá a ideia de nação pretendida pelo Estado; mas a falta de legendas faz da representação gráfica desta mesma ideia de nação, uma paisagem sem significados além de cores, formas e alguns símbolos identificáveis.

A instalação dos painéis é no chão, o que reforça o ângulo aéreo das imagens e cria ainda um estranhamento, já que mapas devem estar na parede, embora apresentem sempre uma visão aérea, não frontal. A configuração circular é análoga ao sobrevoo também circular que as fotografias dos mapas simulam sobre a região, sugerindo que o observador, ao deslocar-se ao redor, repita este sobrevoo. O círculo fragmentado refere-se também às obras clássicas da land art, onde desenhos eram feitos com fragmentos naturais da paisagem: pedras, gravetos, terra etc. Já em Antilla, a instalação é formada pelo uso de fragmentos de representações de paisagem: os mapas.

A seguir, detalhes de Antilla.

2011-07-24T08:05:00.009-03:00

Galeria Vermelho

O Performer, texto de Daniela Castro para exposição no Paço das Artes.

Revista Eletrônica DaWire

Revista IstoÉ Independente

29ª Bienal de São Paulo

Ensaio escrito para a 29ª Bienal de São Paulo.

Entrevista ao site da 8ª Bienal do Mercosul

Site da exposição The Spiral and the Square, Bonnierskonsthall, Estocolmo, Suécia.

Página do livro Diccionario para Road Movie, no site da editora Kitschic Ediciones.

Entrevista para o site AHH!

Matéria de Paula Alzugaray para a revista francesa Slicker n. 2, páginas 22 e 23.

O Performer no Zine Parasita nº 9

2011-07-09T09:14:00.011-03:00

Zine Parasita nº 9

junho de 2011

editado por Guilherme Falcão

No início de 2011, O Performer foi convidado a participar do Zine Parasita nº 9.

Nesta edição, foi proposto a cada participante que escolhesse um livro e fizesse uma página dupla tendo-o em mente. Os zines editados seriam colocados dentro dos livros escolhidos, em livrarias, bibliotecas, sebos, etc, para parasitá-los.

Abaixo, a participação do performer. Ele escolheu o livro Sobre Fotografia, de Susan Sontag. Clique nas imagens que elas aumentam.

Para um amor no Recife (Paulinho da Viola), 2011

2011-04-07T10:10:00.005-03:00

impressão jato de tinta sobre papel

6,5 cm x 95 cm

Fiz este trabalho para o projeto Cartografias Afetivas, de Juliana Crispe. As fotografias de mapas simulam um voo São Paulo-Recife. As imagens das duas cidades, nas extremidades do livro sanfonado, são fixadas na parede, e o "percurso do voo" fica solto, pendendo no ar. Clicando sobre as imagens, elas aumentam e, a seguir, é possível ver com mais nitidez as imagens que formam o trabalho.

Fabio Catador, 2011

2011-04-07T09:40:00.021-03:00

livro editado pelo coletivo Dulcinéia Catadora

edição de 100

Tive a grande honra de ser convidado para editar o primeiro livro de artista do coletivo Dulcinéia Catadora, e assim inaugurar esta nova linha de edições.

O coletivo, formado em parte por filhos de catadores de material reciclável, convida escritores e artistas para publicarem livros confeccionados pelos próprios integrantes do grupo. Cada livro, impresso em papel reciclado, ganha uma capa pintada pelos membros do Dulcinéia Catadora. A capa de cada exemplar é única, e todas são feitas com papelão comprado em cooperativas de material para reciclagem.

O Dulcinéia Catadora integra uma rede latino-americana de projetos-irmãos como o Eloisa Cartonera (Argentina), Sarita Cartonera (Peru), YiYi-Jambo (Paraguai), Yerba Mala (Bolívia), Animita (Chile), La Cartonera (México) entre outros.

Abaixo, imagens de Fabio Catador (clique em cima para aumentar), algumas imagens que formam o livro, uma amostra de várias capas e a estante feita para o lançamento no Tijuana, Galeria Vermelho, em abril de 2011.

Abaixo, Fabio Catador e Diccionario Para Road Movie na livraria do Bonniers Konsthall, Suécia, Estocolmo, quando participei da exposição The Spiral and The Square, em agosto de 2011.

Nas imagens a seguir, Fabio Catador na revista Babel Poética, ano 1, número 2, abril/maio de 2011.

Abaixo, Fabio Catador na revista francesa Slicker, texto de Paula Alzugaray. Para acessar, clique aqui e vá às páginas 22 e 23.

A seguir, Fabio Catador, ARTE E MUNDO APÓS A CRISE DAS UTOPIAS, blá blá blá e Diccionário para Road Movie na Amazonian Library, biblioteca dentro da exposição Microclima Zurich Tropical, curadoria de Pablo León de la Barra. Esta exposição, entre janeiro e abril de 2012, faz parte do projeto Human Valley, Kunsthalle Zürich, Zurique, Suíça.

Fotografia de Pablo León de la Barra.

Feriado, 2011

2011-03-23T09:34:00.010-03:00

fotografia e escrita

15 x 24cm

Clique sobre a imagem para aumentá-la.

Este trabalho foi feito especialmente para o livro Estratégias Expansivas, Publicações de Artistas e Seus Espaços Moventes, editado por Michel Zózimo da Rocha, Porto Alegre, 2011, primeira edição de 2.000 exemplares. É possível baixar um pdf do livro, clicando aqui.

Revista Bravo n.156 - agosto de 2010

2010-11-08T07:16:00.009-02:00

Para a matéria da Revista Bravo número 156, Conversa entre Artistas, eu e mais dois artistas fomos convidados a seguir uma das "instruções" do Livro da Nina para Guardar Pequenas Coisas, de Keith Haring, preenchendo uma das páginas do livro.

Abaixo, a minha intervenção. Clique na imagem para aumentá-la.

A Carta, 2010

2010-11-07T09:01:00.012-02:00

impressão jato de tinta sobre papel

21 x 28cm

(clique sobre as imagens para aumentá-las)

Fiz este trabalho a convite da curadora Kamilla Nunes para a exposição "Faça algo errado e diga que fui eu que mandei fazer", novembro de 2010, no Instituto Meyer Filho em Florianópolis.

Fui convidado a "realizar" a seguinte instrução de Jorge Macchi, publicada no projeto DO IT, de Hans Ulrich Obrist: Send a threat letter to yourself trying to hide your identity / Envie uma carta de ameaça para si mesmo tentando esconder sua identidade. Abaixo, a imagem da tela com a instrução de Macchi, no site e-flux, onde o DO IT está hospedado. Clique aqui para acessar. Seguem ainda as imagens do convite e da exposição, com a parede onde as várias respostas à instrução de Macchi foram expostas.

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Lygia Mostra a Língua

2010-11-07T08:59:00.004-02:00

“Mas o livro que lemos não é o livro que ele pensou que estava escrevendo. (...) Eu responderia que os escritores nos ensinam mais do que sabem.”

por Elizabeth Costello, em A Vida dos Animais, J.M. Coetzee,

tradução de José Rubens Siqueira

―Não. Vou sozinho. Gosto de ver exposições calado, sem quebrar silêncios para comentar o que acabo de ver.

Desligo o telefone.

O segurança fuça minha mochila e pergunta porque tenho tantos livros. São meus, respondo. Vai distribuir? Não pode distribuir lá dentro, ele pergunta e afirma. São meus, insisto. Clec, a catraca contabiliza-me como mais um entre o um milhão almejado. O detector de metais apita. Pedem que eu guarde a mochila no guarda-volumes. Obedeço.

Lygia está calada à minha frente, sem gritar tudo o que Samuel Beckett fala no segundo andar. Da língua, ele expele idioma, ela, sangue: duas circulações. Aqui embaixo no térreo, o ar me parece o de uma festa que acabou porque alguém proibiu ou, simplesmente, porque séculos acabam. O playground sueco de Palle Nielsen, o teatro venezuelano ao ar livre de Jacobo Borges, os japoneses do Hi Red Center no hotel e a menesunda argentina de Marta Minujín, tudo impossível de ser agora: pelo hoje que mantém tudo isso como imagem; pelo preto e branco; pela cor desbotada emprestada à saturação de Jean-Luc Godard, que ainda vê distância entre regra e exceção. Juntando ontem e hoje, há no segundo andar a presença quase real dos Ninhos de Hélio Oiticica, onde não entro por uma assepsia temporal minha. Eles estão rodeados por um bombeiro.

Estou calado em frente à língua sangrada de Lygia. David Claerbout mostra-me, logo ali na frente, que é possível me aventurar por dentro de uma imagem. Por isso, quando eu chegar ao segundo andar, sonharei penetrar na casa de shows desativada e ouvir o mesmo Clash da minha adolescência, mesmo sabendo que o que me separa desta imagem de Anri Sala é uma película tão densa quanto a da água do Rio da Prata sepultando assassinatos de Estado, na fotografia de Marcelo Brodsky, também no segundo andar. Claerbout gruda-me no banco por quase uma hora e me rendo ao seu “vídeo”, mesmo detectando nele artifícios estetizados, clichês fáceis e detestáveis, tudo feito milimetricamente para emocionar-me. Sou pateticamente emocionável: uma obra que me mostra o artifício por onde qualquer um me engana, me fazendo desentender-me comigo mesmo. O que me leva até Claerbout é um corredor que me faz dar as costas para as festas sueca, venezuelana, japonesa e argentina. Nele, as garotas argentinas de Alessandra Sanguinetti estão na contra-mão do playground sueco, recriando a vida que ainda não viveram: como o durex recriando de forma torta a perfeição da lâmpada quebrada, de Carlos Bunga, no terceiro andar; ou como o chacoalhar dos vidros de Amelia Toledo, que recria internamente na estrutura orgânica e efêmera das bolhas de sabão, uma semelhança desajeitada com a forma externa perfeita, que me emocionam no segundo andar. Pré-rafaelitas e desajeitadas, parece que as meninas de Sanguinetti se preparam para um dia protagonizarem as fotografias de Nan Goldin. Cobertas de terra ou como Ofélias, as garotas argentinas já ensaiam a morte de Cookie Mueller.

O sangue de Lygia tem a mesma ausência de cor das bandeiras hasteadas por Wilfredo Prieto na lateral externa do prédio. Lembrarei de vê-las quando eu for embora e, quando chegar em casa, repararei no catálogo o grande número de artistas da exposição que não vivem no país onde nasceram. Talvez por isso as bandeiras descoloridas tenham sido hasteadas ali. Elas também não têm o vermelho explodido onde Mira Schendel escreveu QUE BELEZA, o estandarte que me aguarda no segundo andar. O eixo vermelho que me leva do escorrimento de Lygia à explosão de Mira, passa por ruas do Rio de Janeiro ensanguentadas por um jorro de sangue falso, lançado de um carro pipa. Vejo uma mulher, no vídeo de Ronald Duarte, que vocifera contra a água vermelha que se empoça na sarjeta. Tintas no asfalto só serão admitidas por ela para pintar a bandeira brasileira, que não admite o vermelho, na próxima Copa do Mundo.

A mesma mulher que vocifera no vídeo esteve no quase linchamento de Flávio de Carvalho em 1931, na rua Direita. Depois de um dia de trabalho empurrando o mar de Cildo Meireles, a mesma mulher está em pé na rua, exausta, provavelmente esperando transporte público na vídeo instalação de Chantal Akerman. Neste momento, ela pode ser uma das seguranças desta exposição e em janeiro próximo entrará no pavilhão desfilando uma bolsa cara na SP Fashion Week, como me recorda Jimmie Durham em sua sala. Quando eu for embora e estiver no ponto de ônibus, parado na rua tal qual os “personagens” de Chantal, lembrarei que preciso estar atento, pois há momentos em que essa mulher que vocifera contra, pode aparecer em mim. E ela mal sabe do sangue que escorre da língua de Lygia; da cera que escorre para o chão sem conseguir calar o gesto do pianista, de Tatiana Blass; do pó de giz que pousa no chão pela ação repetitiva de calar a lousa apagando-a para a próxima escrita, de Cinthia Marcelle: tudo diálogo que só se trava na alternância de um calar-se para que o outro fale. Tudo questão de optar por silenciar-se. De escorrimento, empoçamento, queda em relevo. E de gravidade, que Tatiana Trouvé entorta e congela, calando no ar o movimento pendular, dando-me a palavra.

Percebo que a mulher que vocifera contra o falso sangue nas ruas do Rio, pode ter passado por ali, errado o plural e calado a obra de Nuno Ramos que, junto à de Wilfredo Prieto, está entre as mais cromáticas do pavilhão, com sua bandeira branca, sem cor. Mas a mulher não vociferou contra o macaco que por meses foi recentemente empregado num estúdio da Rede Globo, numa novela onde o animal representava um pintor de gestos e explosões cromáticas, calando Pollock.

Ao chegar ao terceiro andar, vejo que Lygia emprestou seu vermelho à saturação de Miguel Rio Branco e Nan Goldin, entre os quais a minha percepção arbitrária instala o bólide em homenagem a Cara de Cavalo. Lygia também coloriu a bandeira ferida sobre o território da liberdade, de Antonio Dias; as fitas contra a AIDS espalhadas pela paisagem da África do Sul nas fotografias de David Goldblatt; e o fio com o qual Paulo Bruscky interditou uma ponte em Recife nos anos 70. Dou-me conta de que Lygia realmente se espalhou por toda a exposição, como seu próprio Divisor, que é tão arquitetônico quanto este prédio.

Terminando meu itinerário pela exposição, sinto a vigilância de Lygia que intimou meu olhar e me encarou olho no olho esse tempo todo, pedindo re ou apenas conhecimento, como as mulheres de Zanele Muholi e as de Juliana Stein, ou as várias obras distribuídas pelo pavilhão que documentam depoimentos. E o par de olhos de Lygia também é iluminado por uma luz fria de backlight do mesmo modo como, no último andar, são iluminados os um milhão de par de olhos de Gutete Emerita, na sala de Alfredo Jaar, onde obviamente sou tentado a roubar um slide e, em seguida, penso: essa mulher não pode mais uma vez ser roubada.

Chego à sala de Artur Barrio. Driblo a segurança, roubo uma das imagens das trouxas ensanguentadas e corro em disparada até o térreo onde roubo o backlight de Lygia. Com uma imagem em cada braço, saio do prédio, acho a bandeira brasileira descolorida e instalo Barrio e Lygia encostados na base de seu mastro, como um monumento ao vermelho-sangue que estranhamente falta à bandeira do país onde nasci.

Lygia está calada e olho para ela calado. É difícil sair de sua frente e ver o resto da exposição. Cada idioma tem O seu Grito.

Resgato de volta minha mochila. Para sair do prédio, não sou revistado. Indo embora, é impossível não imaginar Antonio Vega Macotela saindo da prisão mexicana incumbido de realizar o desejo de um dos presos, lá fora; e também não lembrar do vídeo de David Claerbout, o da diarista que depois de limpar toda a casa anulando-se ao rés do silêncio, paralela ao dia que nasce lá fora, pega sua bicicleta e vai embora, voltando a ser alguém.

(voltar ao índice de textos)

2010-11-02T08:46:00.002-02:00

Clique sobre a imagem e ela abrirá num tamanho bem maior.

Clique aqui para voltar a O Performer.

Lá em casa, 2010

2010-10-14T14:56:00.007-03:00

em parceria com Marilá Dardot

tapeçaria com fio de nylon

300 x 200cm

edição de 03 (cada)

Lá em casa é uma série de tapetes que reproduzem as capas dos livros Rayuela, de Julio Cortazar; A Queda, de Albert Camus; Mallarmé, tradução de poemas do autor por Augusto de Campos, Haroldo de Campos e Decio Pignatari; e The Catcher in the Rye, de J.D. Salinger. São todos títulos que têm alguma referência com o plano horizontal (no caso de Mallarmé, o principal poema do livro, Um Lance de Dados Jamais Abolirá o Acaso).

A maioria das imagens abaixo é de Longe Daqui, Aqui Mesmo, a casa-biblioteca que eu e Marilá Dardot fizemos para a 29a Bienal de São Paulo.

blá blá blá áudio visual

2010-10-03T11:22:00.005-03:00

Clique aqui para ver a matéria acima no site do Metrópolis.

(voltar)

Portas

2010-10-01T13:47:00.007-03:00

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Publicações e livros de artistas enviados do mundo todo

2010-10-01T13:46:00.024-03:00

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A biblioteca

2010-10-01T13:46:00.022-03:00

(voltar)

Far From Here, Right Here - a library under construction

2010-10-01T13:46:00.021-03:00

The investigations of Fabio Morais cover the intimate territories of notions of time, as forms of perception and memory, found mainly in the relationships between image and word. The book is omnipresent, as the power behind the work, procedure and method that compose the artistic discourse of Marilá Dardot. The partnership between Fabio and Marilá began when the artists revealed that they collected objects forgotten in books purchased in secondhand bookshops. From this emerged Sebo [Secondhand Bookshop] (2007). Each page of this edition is a front and back Xerox copy of the objects found. The book is in fact impregnated with the subjectivity of the two artists, so much so that they created the Reading Fellowship—a collection of novels published starting in the 1970s, which after being read, received the “fellowship” stamp. Far From Here, Right Here is just another collaborative effort by Fabio Morais and Marilá Dardot. In this interview, the artists reveal some aspects of the creative process of the terreiro and the proposals of building a library for the 29th Bienal de São Paulo.

The terreiro Far From Here, Right Here was designed as a place for research and reading, housing collections of books and publications on art. How did you transform this idea into the project presented? What criteria drove your project to become a terreiro?

We envisioned this terreiro as a stopping point in an itinerary. The departure is marked by the arrival of books from various parts of the world, driven by a desire to contribute. The arrival will occur every time someone, in the terreiro, takes a book and opens it. What drives us in this project is providing the means for this to happen: by paving a road so that the cacophony of books materializes, far from here, right here.

Faced with the proposal of the terreiro—which was designed to take shape as a space in the exhibition associated with “utopian and dystopian” feelings and that is situated in the same conceptual neighborhood as works that make reference to the creation of what is not, but one day could be, or, the opposite, to frustration and abandonment—what resources were envisioned for the interaction of the visitor with the constructed space? What resources were used and what were the aims for this conceptual and formal construction?

The terreiro that we proposed is a progression of constructions, all of them still to come. It is a space made of bricks, emotions and tributes, that is presented in a moment of suspension.

The visitor is welcomed by walls with bare bricks and passageways without doors. A view of a house (or village or city) under construction is the first contact. When the visitor enters, he sees some finished walls, doors hung and rooms with carpeting. All of this shows that this space, even under construction, is already habitable. Something doesn't have to be fully built before it can serve as shelter. The idea of the book (and also of literature, ideas, words) is being presented as the visitor perceives that the wallpaper, wall tiles, carpets and doors are pictures of book covers.

When the visitor arrives at the library, he is welcomed by a finished building, housing something that is not ready or finished: the collection of the library still being formed. Or even the substance that makes up each book: art. From there, the interaction of the visitor is through reading, leafing, something natural for a book. And the path traveled by the visitor inside the terreiro will be repeated each time he opens a book, but this time on another scale with other artists.

The book is in fact impregnated with the subjectivity of you both. And it is not only a strong reference, but the raw material, method and creative resource for your work. What are relationships that developed between these two languages: architectural space, in the form of the house, and the book? What references are displayed in the creation of the terreiro?

At no time did we think that we were creating architecture. We were creating relationships. It is clear that architecture and construction are Siamese words, but in this case we prefer the word construction alongside the word metaphor. Our metaphor is the construction site, incomplete, something that is underway, something that is open. More of a project, another desire to express an idea, than a building.

Our choice for the square was that of a configuration that responds much more to the organic and immediate needs of habitation, associated with the basic housing used by the majority of the Brazilian population, and not to historical concepts of architecture.

We believe that if our square has an architecture, it is much more complex and expansive than that of the weave of the walls raised in the Bienal building: there is the fact that our terreiro having borrowed the space of the post office, of the planes, of the mailman, of the mailbags dispatched at airports, of the backpacks carried in the airplane cabins, of the express mail packages, of the trunks of cars and buses, of the baskets on bicycles, so that each book can arrive at Far From Here, Right Here. This mobile architecture, displaced and borrowed, is expressed in one of the logotypes of our collection, where a book is sent in a balloon. This trip is as important as the walls raised with bricks, in the Bienal building. And the junction of all of this is what forms the architecture of our square.

We are not architects. We envisioned our square as a metaphor for a space under construction, and not as architecture. More than the house-book relationship, we prefer to think in terms of brick-book, tile-book, wall paper-book, or rather, elements of construction.

Within the square, there is a library. One of the collections of books that form the basis of this collection is the Reading Fellowship, our partner for exchange of contemporary literature. But it is only a foundation. The rest of the construction of this collection is built on each contribution, coming from the four corners of the earth. Book by book. Brick by brick. We like the image of a truck unloading bricks, which are passed from hand to hand until they arrive at the place where the wall will be raised.

Most Brazilian houses are not static. They are a chain of constructions where the following owner will add a room, the owner after him will expand the backyard and the one after him will add a second story and change the wall tiles. In this project, we are the first owners, we built the first rooms and formed the first collection of books. From there, books will arrive at random and one book will lead to another. Fortuitous encounters, subjective relationships and systematic collections will live together, sharing shelves and rooms.

Cômodos, corredores, percurso: o labirinto

2010-10-01T13:46:00.016-03:00

(voltar)

A construção vista de fora

2010-10-01T13:46:00.015-03:00

(voltar)

A Construção

2010-10-01T13:46:00.012-03:00

(voltar)

Longe Daqui, Aqui Mesmo, 2010

2010-10-01T13:45:00.019-03:00

em parceria com Marilá Dardot

colaboração e execução de Fernando Romano Arquitetura.

29a. Bienal de São Paulo

Há sempre um copo de mar para um homem navegar

(o texto a seguir possui links, em cor diferenciada, para acesso a mais imagens)

A biblioteca Longe Daqui, Aqui Mesmo é um dos terreiros da 29a. Bienal de São Paulo que, dentro do projeto curatorial, são espaços de pausa, encontros e trocas, cada um com uma vocação. Este título foi apropriado de uma obra de Antonio Bivar.

Para o espaço da biblioteca, eu e Marilá Dardot pensamos na ideia de um lugar inacabado, sempre em construção mas que, mesmo não concluído, já é acolhedor. Sua relação com o visitante é, sobretudo, de descoberta e aventura, já que a configuração desse espaço é a de uma espécie de labirinto ou vila caótica, com cômodos, passagens e corredores onde perder-se é necessário para fazer o percurso. Isso tudo, para nós, é análogo à nossa relação pessoal com a leitura, com a literatura e com o mundo dos livros.

Maquete 3D (por Fernando Romano Arquitetura)..

A ideia de uma construção em processo levou à escolha de paredes sem reboco (às vezes incompletas, sendo erguidas) por toda a construção, e também de vãos abertos (sem portas) na parte externa do espaço. Ao entrar por esses vãos abertos, o visitante se perde em cômodos e corredores, alguns deles revestidos por azulejos e papéis de parede, e outros com tapetes forrando o chão, tudo feito a partir de imagens de livros. Ligando um cômodo a outro, há portas que também estampam capas de livros. Portas, tapetes, azulejos e papéis de parede compõem essa ideia de um lugar inacabado porém perfeitamente habitável e habitado, onde livros são um elemento de construção tanto quanto os tijolos.

A escolha dos livros que constroem esta casa-biblioteca partiu de nosso gosto pessoal e de algumas homenagens como, por exemplo, a sala revestida por um papel de parede com a capa da revista Navilouca, ao lado de uma sala com azulejos feitos a partir da capa de Os Últimos Dias de Paupéria, de Torquato Neto que, junto a Wally Salomão, teve a ideia de editar esta revista nos anos 70.

Este labirinto-casa feito para o “leitor” se perder circula toda a área da biblioteca. Esta, fica no centro da construção, e é completa e acabada, criando uma surpresa ao visitante que, acostumado aos tijolos e à incompletude que acaba de percorrer, chega a um espaço finalizado que abriga exatamente o que não está acabado: a coleção de livros.

A biblioteca do Longe Daqui, Aqui Mesmo é formada por três coleções: 1. a Confrar’ilha de Leitura, uma indicação, feita por mim e por Marilá Dardot, de títulos de literatura contemporânea; 2. fizemos uma pergunta a todos os artistas da 29a. Bienal: com que livro você construiria sua casa?, e os títulos indicados por cada artista foram adquiridos e formam a segunda coleção; 3. por fim, fizemos um convite aberto, divulgado em redes sociais (facebook e twitter) e também em variados maillings, para que todos que tivessem um livro ou publicação de artista, e quisessem contribuir, enviassem-nos um exemplar que faria parte desta coleção, sem seleção alguma.

Convite digital com a pergunta feita aos artistas da 29a. Bienal.

Convite digital usado para divulgar a formação do acervo.

A formação da coleção de livros do Longe Daqui, Aqui Mesmo se configurou sob a surpresa, a colaboração e a cooperação do outro. A Confrar’ilha de Leitura foi nosso alicerce: indicamos e sabíamos quais e quantos livros eram. As respostas dos artistas da 29a. Bienal também eram um terreno um pouco demarcado, já que era sabido, ao menos, o número de participantes da mostra. Já para o convite aberto, contávamos com a surpresa: recebemos em torno de 450 livros do mundo todo ao longo de dois meses antes da exposição abrir e, depois, também durante a 29a. Bienal.

Ao fim da mostra, toda a coleção de livros do Longe Daqui, Aqui Mesmo, vai para o Arquivo Histório Wanda Svevo, da própria Fundação Bienal de São Paulo, que é aberto ao público para consulta.

São Paulo, setembro de 2010

Links:

29a. Bienal de São Paulo - Site

29a. Bienal de São Paulo - Participantes
Entrevista - Site da 29a. Bienal de São Paulo - Interview - English Version

Programa Metrópolis

Passeio pelo Terreiro, por Gustavo Peres

ARTE E MUNDO APÓS A CRISE DAS UTOPIAS, assim mesmo, em CAIXA ALTA e sem notas de rodapé, 2010

2010-09-24T09:07:00.009-03:00

escrito em parceria com Daniela Castro

Editora par(ent)esis, Florianópolis, SC

1000 exemplares

Em 2009, eu e Daniela Castro escrevemos este ensaio para o II Concurso Mário Pedrosa de Ensaios sobre Arte e Cultura Contemporâneas, pela Fundação Joaquim Nabuco, de Recife, que tinha como tema o título: Arte e Mundo após a Crise das Utopias. Não ganhamos. No final deste mesmo ano, este texto fez parte da exposição El Mal de Escritura, no MACBA, Museu de Arte Contemporânea de Barcelona, Espanha. Em 2010, Regina Melim nos convidou para lançar o ensaio em livro, pela editora par(ent)esis.

imagens do livro, com projeto gráfico de Giorgia Mesquita

A seguir, imagem de ARTE E MUNDO... no livro Estratégias Expansivas, Publicações de Artistas e Seus Espaços Moventes, editado por Michel Zózimo da Rocha, Porto Alegre, 2011, primeira edição de 2.000 exemplares.

Abaixo, Fabio Catador, ARTE E MUNDO APÓS A CRISE DAS UTOPIAS, blá blá blá e Diccionário para Road Movie na Amazonian Library, biblioteca dentro da exposição Microclima Zurich Tropical, curadoria de Pablo León de la Barra. Esta exposição, entre janeiro e abril de 2012, faz parte do projeto Human Valley, Kunsthalle Zürich, Zurique, Suíça.

Fotografia de Pablo León de la Barra.

Abaixo, a introdução do ensaio:

INTRODUÇÃO

Para escrever sobre ARTE E MUNDO APÓS A CRISE DAS UTOPIAS, usou-se o recurso de tentar entender cada palavra e como cada uma se relaciona com as outras. Onde se contaminam, se traem, se contradizem, se explicam, se amparam. Como lidar com palavras significa fatalmente escorregar na ficção, estratégias do campo literário foram adotadas em detrimento de estratégias do campo dissertativo. Esta escolha não significa que se alcançou a literatura, mas sim uma dissertação que se socorre na ficção, pois acha nela a generosidade da liberdade da forma como guia.

Aqui, tudo foi escrito a quatro mãos, por dois cérebros e duas paixões. Provavelmente porque o enunciado proposto já antevê a dupla (ARTE e MUNDO) e a UTOPIA sempre quis o outro, e talvez não possa abrir mão desse querer.

O texto é dividido por capítulos que aparentemente o estruturam. Porém, o efeito é o de um craquelamento do discurso. Não é uma ode ao caos. Muito pelo contrário: apenas uma desconfiança de que mosaicos ou caleidoscópios produzam imagens organizadíssimas e ressignificantes do figurativo.

Há bastante tempo que, para se entender o mínimo possível, agarra-se às palavras, uma a uma, para que elas fatiem tudo em micro pedaços digeríveis. Mesmo elas sendo o cúmulo da abstração. Mesmo elas tendo a bile fraca.

Amasse e Jogue, 2010

2010-06-24T17:47:00.014-03:00

impressão tipográfica sobre papel

16cm x 11cm

tiragem de 2000

Para ler, clique sobre a imagem.

Durante três tardes de junho de 2010, distribuí este folheto pelas ruas do centro da cidade de São Paulo.

Abaixo, imagem da exposição Dois Pontos, Museu Murillo La Greca, Recife, setembro de 2010, com curadoria de Fernanda Albuquerque.

ar

2010-05-01T07:16:00.008-03:00

por Fabio Morais

Os desenhos Cada um tem a paisagem que merece são música tocada nas teclas-papel-color-plus-pretas e nas teclas-caneta-de-tinta-brancas de um piano que executa uma melodia cotidiana neste teclado que é apenas uma interface já que internamente o piano é um instrumento de cordas que se esticam e vibram em linhas que não se tramam e se tocam se trocam se soltam encontram-se se combinam se cansam separam-se soltam-se e flanam como flana um pensamento fabricando imagens de tacos portas tapetes cabides cobertores lâmpadas livros linhas de contorno de uma cama que se desprendem do que é cama para dar início à linha de contorno que é uma janela que ainda cede sua linha de contorno para a prolongação da varanda de uma rede preta que espalha-se pelo chão esticando-se e tensionando-se para tornar-se uma linha que é a continuação do desenho da luminária japonesa ou de uma veia do braço que chega à mão que desenha em negativo um contorno sem volume através desses fios de luz que não conseguem acender totalmente esse escuro que vai apagando a tarde até desligar mais esse dia útil impondo uma paz estranha ao fim dessa jornada numa hora tão confusa e barulhenta nesta cidade lá fora que é gentilmente impedida de invadir a delicadeza destas linhas brancas traçadas em cima do breu pouco iluminado por um desenho que ilumina somente a si mesmo na penumbra do plano liso do papel que se fosse branco lembraria uma pista de gelo a ser patinada pelo grafite mas como é preto assemelha-se à falta de um fundo retangular de uma das redes que cortam o espaço e não amparam ninguém pois sustentam ao mesmo tempo a queda e o abismo.

⎻Fui alfabetizada ao mesmo tempo em que aprendi música. Eu mal lia palavras e já lia partitura, disse-me Adriana. Tocava piano. Parei, completou.

a queda e o abismo. O chão rege o desenho perspectivo ocidental. Cada um tem a paisagem que merece desmancha o chão transformando-o noutros objetos (é como desfazer uma blusa de crochê ao fazer um cachecol) e, neste empréstimo, ele desaparece. A perspectiva passa a se dar no escuro. É o ar quem a define.

⎻Chama-se De Igual para Igual, disse-me Adriana, sobre o vídeo. ... anima ..., foi uma palavra que repetiu, algumas vezes.

o ar quem a define. Ele possibilita as conversas. Sobre o ar, as falas soltam as palavras, publicam-nas. No vídeo, que inclusive é luz acesa no escuro, as chaleiras sopram, sussurram e depois discutem. Dentro delas, a água se estica em ar, faz-se grito, expansão que é expressão e ex-silêncio, é assim a comunicação das chaleiras. Toda voz solta seus vapores. A imagem vai sendo preenchida, mesmo sem jamais ter estado vazia: se a câmera filmasse nada, focaria o ar sendo evidenciado no sopro que soma-se à espessura do espaço, que cresce, pressiona a lente e embaça. Neblina não é ar. Nem vapor é ar. São água sem chão nem repouso que usa o ar como recipiente.

⎻Não penso que sou artista, não penso nisso: faço, disse-me Adriana. Ah, Adriana, eu também não me sinto artista, faço. Sinto-me mais um operário das minhas ideias do que artista. Para que pensar em ser, se é o fazer que nos põe nessa via, não?, foi o que não respondi para Adriana, no calor da hora.

o ar, como recipiente. No ar, as redes repousam. São mobília, curva aérea na arquitetura da primeira casa brasileira. Elas nos sustentam no ar, esse sonho arquetípico humano, de despregar-se do chão.

⎻Prefere com açúcar ou adoçante, Adriana me perguntou, oferecendo-me café numa xícara de louça branca com asas vermelhas de borracha (asas no formato de asas reais, de pássaros, que voam no ar). Sem nada, respondi.

* * *

air

By Fabio Morais

Translation by Juliana Farias

The drawings Each one has the deserved landscape are music played on the black-color-plus-paper-keys and on white-paint-pens-keys of a piano that executes a quotidian melody in this keyboard that is only an interface since internally the piano is an instrument made of strings that stretch and vibrate in lines that don’t weave don’t touch don’t exchange don’t untie themselves meet each other combine each other get tired of each other get separated unfasten from one to another and lounge as lounge a thought making images of parquet blocks doors carpets blankets lamps books outlines of a bed that disengage themselves from the supposed bed to begin the outline which is a window that still yield its own outline to the balcony extension of a back net that spreads itself over the ground stretching tensioning itself to become a line that is the Japanese luminary drawing continuity or an arm vein that gets close to the hand that draws as negative a no voluminous outline through these light threads that can’t totally light this dark that keeps switching off the afternoon until turns off one more work day establishing a strange peace at the end of this journey in a so confused and noisy moment in this city outdoors that is gently impeded of invading this white lines delicacy sketched over the poorly lighted up pitch by a drawing that lights up only itself in the penumbra of the paper’s smooth plain that if it was white would remember an ice rink to be skated by the lead but because it’s black seems to be an absence of a rectangular background of the one of the nets that cut the space and don’t support anyone because sustain at the same time the fall and the abyss.

-I was taught to read and write at the same time I learned music. I barely read word and already read music, said Adriana to me. I used to play the piano. I stopped, she concluded.

the fall and the abyss. The ground conducts the occidental drawing in perspective. Each one has the deserved landscape takes the ground to pieces transforming it in other objects (it’s like rip up a crochet blouse to make a scarf) and, in this lending, it disappears. The perspective begins to happen in the dark. It’s the air that defines it.

-It’s called Between Equals, said Adriana to me, about the video. … anima (a Latin word that means ‘soul’), a word that she repeated, some times.

the air that defines it. It makes the conversations possible. Above the air, the speeches release the words, make them known. In the video, which is light in the dark, the teakettles whiffle, whisper and then wrangle. Inside them, the water extends itself in air, shout fell, expansion that is expression and ex-silence, that is the way the teakettles talk. Every voice blows its steams. The image is being filled, even if it was never empty: if the camera shot nothing, it would focus the air displayed in the blow that adds itself to the space thickness, that gets bigger, presses the lens and dull. Fog is not air. Not even steam is air. They are water without floor and rest that use the air as recipient.

-I don’t think I am an artist, I don’t think of that: I do, said to me Adriana. Ah, Adriana, I don’t feel myself an artist as well, I do. I feel myself more as a my ideas workman than an artist. Why think about being, if the making is what put us here, no?, it was what I didn’t answer to Adriana, in the heat of the moment.

the air as recipient. In the air, the nets rest. They are furniture, aerial curve in the first Brazilian house architecture. They support us in the air, this archetypical human dream, of unhooking from the ground.

-Do you prefer with sugar or sweetener? Adriana asked, offering me a coffee in a white porcelain cup with red rubber wings (wings like real wing, of birds, that fly in the air). None of them, I answered.

2010-04-23T07:38:00.003-03:00

Se um dia, pela primeira vez na vida, eu for a um analista, ele terá muito trabalho até chegar à conclusão de que esta incompletude que sinto na vida está ligada ao fato de eu nunca ter conseguido completar os álbuns de figurinhas que colecionei na infância. Sempre faltava a figura 27 ou 63, ao mesmo tempo em que eu tinha nove figuras 18 repetidas. Obviamente que isto, dentro do meu universo de 9 anos de idade era um problema insolúvel. Eu precisava administrar o excedente, seja trocando-o com o Roberto da quinta série, seja decorando as paredes de casa, e ainda pensar em como adquirir as figuras faltantes, fato ligado ao acaso. Aos 9 anos de idade eu ainda não tinha eleito o acaso como partner.

Décadas depois, com a idade agregada, percebo-me infantilmente ansioso com o projeto COLEÇÃO pois, nele, pela primeira vez, poderei eu mesmo escolher as figuras que quero, carimbá-las, empacotá-las, correr para casa e, sentado no tapete da sala, abrir o pacote e descobrir quais as figuras que vieram desta vez, e perceber ainda que pude ser, ao menos desta vez, aquele acaso com quem eu me relacionava quando criança.

É nesta alternância de acasos e escolhas que eu te coleciono, pois há em ti minha COLEÇÃO POR FAZER. Certamente vem daí minha curiosidade em viver o AMOR, já que minha COLEÇÃO de figurinhas nunca me elucidou as reticências que sempre vinham depois de Amar é...

Fabio Morais

Verão Chuvoso de 2008

Endereço, 2010

2010-04-17T14:53:00.010-03:00

tinta esmalte sobre latão, papel kraft 420g e selo

40 x 20cm (placa maior), 15 x 9cm (placa menor),

43 x 22 x 2,5cm (envelope/caixa)

série de 03, tiragem única + p.a.

Endereço é uma série de três trabalhos, cada um formado por uma placa de nome de rua, uma placa de número de casa e um envelope selado.

Acima, imagem do envelope e detalhe do selo. A seguir, imagens da série completa.

Acima, "Estou sempre aqui" da série "Endereço".

Acima, "Estive sempre lá" da série.

Por fim, acima, "Estarei sempre ali" da mesma série.

Então, vou contar...

2010-04-11T07:49:00.005-03:00

Force a maçaneta e entre. É uma exposição de: desenho. Mas, tão logo você finque os pés no chão diante do primeiro desenho (pronto para degustar as linhas, o branco do suporte que elas reafirmam, os planos, os acidentes da tinta, a trapaça da perspectiva), você sentirá seu corpo querendo ir. Ir? Talvez seja aquela fuga pronta sob seus pés, mas não se pergunte. Vá. Sorria, Cheshire Cat você não será filmado, será desenho animado.

Teus passos te levarão por caminhos que tateiam muros, trepe, tome vento na cara, corra, suba, desça, ande, fuja. Pule a cerca, beire-a. Salte. Espante os pássaros. Arranque a blusa, amarre-a e desça por ela.

O quê? Você continua com os pés fincados no chão? Parado? Ah, bom, somente seus olhos se movem... Era a isso que eu me referia. As linhas de um bom desenho costumam capturar o olhar forçando que ele escorra sobre elas, como gota de chuva em fio de alta tensão inclinado. Foram teus olhos que tropeçaram naquele degrau, foi teu olhar que escapou pela janela deixada aberta e é teu olhar que te hasteou bandeiras de rendição.

Ufa.

Teu olhar deu a volta a um mundo. Agora ele está resistindo, não quer se soltar do desenho, como criança que faz birra porque os pais anunciaram que é hora de ir embora. Ele está lá, escondido atrás da torre. Parece que teu olhar não é mais teu. Nunca foi, paciência, é para isso que serve o olhar, para ser levado por revoadas de pássaros. Arte nos faz lembrar dessas coisas. Vire a chave e saia.

Fabio Morais,

inverno chuvoso de 2009

Textos para outros artistas

2010-04-11T07:48:00.026-03:00

Não acho natural que uma exposição de arte seja avalizada por um texto. Numa obra, somente sua própria voz me interessa. Ou sua mudez. Eu raramente leio textos críticos. Plotados na parede, em folder ou catálogos, então, eu me recuso. É da minha ética purista.

Essa ditadura do texto me soa a musak.

Quando um artista me convida para escrever um texto, ele sabe que eu não sou crítico e não escrevo nesse tom. Não me coloco fora e nem acima de seu trabalho. Entro. Meu texto será sempre uma derivação da obra para a qual escrevo. Submeto-o, inclusive formalmente, a ela. Ele surge dela, sua estrutura só será possível porque a obra a que ele se refere existe.

Penso como se a obra, ou exposição, fosse uma melodia. Vou lá e invento uma letra.

* * *

Uma Escritora

Texto escrito para projeto ainda inédito de uma publicação, sobre o trabalho de Marilá Dardot.

Texto escrito para o projeto COLEÇÃO, 2008, de Regina Melim. Para mais informações, clique aqui.

Então, vou contar...

Texto escrito para a exposição "e quem quiser que conte outra...", de Katia Fiera, agosto de 2009, dconcept Escritório de Arte, São Paulo, SP, Brasil.

Texto escrito para a exposição "Desvio, o fim das coisas", de Adriana Aranha, maio de 2010, FUNESC, João Pessoa, PB, Brasil.

Lygia Mostra a Língua

Texto escrito para e sobre a 29a Bienal de São Paulo, setembro a dezembro de 2010, a convite da editoria do site da mostra.